Escrito por Donald Fagen (Teclados y voz) y Walter Becker (guitarras, bajo y coros) fundaron en 1971 la banda STEELY DAN.
Una banda que combina elementos del rock, jazz, fussion, R&B, blues y con una producción de estudio muy sofisticada cuyo primer LP oficial se lanzó en 1972 «Can’t Buy a Thrill» con el éxito «Do It Again» que ha sido versioneado en innumerables ocasiones.
Sin embargo, ambos músicos se conocieron en 1967 en Bard College, en Annandale-on-Houston, New York. Cuando Fagen pasaba por el café Red Ballon y escuchó a Becker practicar con su guitarra eléctrica.
El nombre de la banda STEELY DAN no tiene traducción. Fagen y Becker querían buscar un nombre provocativo y oscuro alejado de los clichés románticos habituales de la música de la época. Se basaron en la novela de William S. Burroughs «El almuerzo desnudo» (1959) en la que Steely Dan III from Yokohama es un sofisticado consolador mecánico que funciona a vapor.
Podemos atribuir al menos 9 discos a la banda, en dos etapas diferentes y la edición de algunos recopilatorios y discos en directo.
Para consultar su discografía completa puedes acudir a Discogs.
1977 – Aja
Para mí, su obra maestra es el 6º disco de la banda: Titulado Aja y lanzado el 23 de septiembre de 1977 Por ABC Records. En Aja hacen un cambio de planteamiento que repetirán 3 años más tarde con otro gran álbum: «Gaucho».
Los Músicos
Para la grabación de esta joya, juntaron más de una treintena de músicos de estudio con un elenco de nombres realmente impresionante. Provinientes del Jazz; saxofonistas como: Wayne Shorter, Pete Christello, Tom Scott, Bill Perkins, Jackie Kels o Plas Johnson. Percusionistas de la talla de Steve Gadd, Jim Keltner, Rick Marotta, Paul Humphrie, Ed Greene o Bernard «Pretty» Purdie. Guitarristas virtuosos como Larry Carlton, Lee Ritenour, Steve Kahn, Denny Dias, Dean Parks o Jay Graydon. Chuck Rainey al bajo o el mismísimo Timothy B. Schmit (Eagles/Poco) y figuras como Michael McDonald, Victor Feldman o Joe Sample. Con estos músicos una sección de metal de lujo y unos coros de primer nivel sería muy difícil no hacer una maravilla. Las sesiones de grabación fueron bastante rudas. Fagen y Becker, que tenían el concepto muy claro, hicieron repetir a los músicos varias tomas hasta conseguir el sonido que buscaban.
Tal vez por ello, para mí es uno de los discos más sofistiscados y con unos estandar de grabación muy exigentes.
Las Ediciones (Versiones)
En Discogs puedes encontrar más de 350 referencias de esta grabación histórica. Yo, como coleccionista lo he comprado 5 veces (3 en vinilo, 1 en CD y 1 en SACD). Mi primer vinilo del 78, a pesar de que siempre he cuidado mucho mis discos, me gustaba llevarlo a los guateques, por lo que…. os podéis imaginar su estado. Luego, lo compré en CD y también ha sido una copia muy usada. En 2011 me hice con una copia japonesa en SACD (Geffen Records UIGY-9026). Cuando en 2023 actualizé mi tornamesa y la aguja, me hice con una nueva versión en vinilo que conservo sellada (como buen coleccionista) y que en este momento tengo a la venta en discogs por un precio más que razonable. También tengo la caja en vinilo de UHQR by Analogue Productions con dos vinilos a 45 RPM, también sellada y sin abrir, hasta la semana pasada.
No lo abrí, porque hay una versión en Tidal FLAC 192/24, que pensaba me podía servir para escuchar, sin necesidad de desgastar la hanna y el vinilo.
Pero….. y siempre hay algún pero….
Y el pero….en esta ocasión, fué que al empezar a escribir este post, abrí mi Roon y puse el disco para reescucharlo.
Sin embargo, yo, que recordaba haber disfrutado muchísimo con este disco…. en esta escucha…. me resultaba «soso», insulso, sin dinámica. Una total decepción.
Procedí, pues a abrir la caja de UHQR ( sabiendo que perderá valor ) pero… si no lo vas a disfrutar…. ¿qué sentido tiene gastarte mas de 200 € en un disco?
He digitalizado esta caja en FLAC 48/24 y a continuación os dejo 2 diferentes versiones del tema Black Cow, para que vosotros mismos juzguéis si existen o no diferencias entre la versión de Tidal FLAC 192/24 y mi propia digitalización del vinilo a 45 rpm de UHQR en FLAC 48/24.
Los Temas
Black Cow
Narra una historia de desilusión y ruptura, centrada en una relación marcada por el abuso de sustancias y la infidelidad. Desde el inicio, el narrador observa a su pareja en un estado de embriaguez en Rudy’s, un bar, lo que ya establece un tono de tristeza y desesperanza. La mención de un ‘libro de números y remedios’ sugiere una vida llena de escapismos y soluciones temporales para el dolor emocional, pero sin un verdadero camino hacia la redención o la estabilidad.
El estribillo, ‘Drink your big Black Cow and get out of here’, es una metáfora poderosa. El ‘Black Cow’ es un cóctel hecho con licor de café y leche, y en este contexto, simboliza el último trago antes de la despedida definitiva. La repetición de esta línea refuerza la idea de que el narrador ha llegado a su límite emocional y ya no puede seguir soportando la situación. La canción también hace referencia a la vida en Greene Street, un lugar conocido por su vida nocturna y su ambiente bohemio, lo que añade una capa de autenticidad y realismo a la narrativa.
En ‘Black Cow’, logran capturar la esencia de una relación rota y la desesperación que conlleva, utilizando metáforas y referencias culturales que resuenan profundamente con el oyente. La canción no solo es un testimonio de la maestría lírica de Steely Dan, sino también un reflejo de las luchas humanas universales con el amor, la pérdida y la búsqueda de consuelo en lugares equivocados.
Aja
La letra de la canción nos transporta a un lugar idílico y casi místico, donde el protagonista encuentra paz y refugio. Este lugar, descrito como una colina con música china bajo árboles de banyan, sugiere un ambiente exótico y sereno, alejado del bullicio de la vida cotidiana. La referencia a la ‘dude ranch’ (granja de vaqueros) añade un toque de rusticidad y simplicidad, contrastando con la complejidad de la vida moderna.
El estribillo de la canción, ‘Aja, when all my dime dancin’ is through, I run to you’, revela un anhelo profundo por escapar de las superficialidades y las distracciones de la vida diaria. ‘Dime dancin» puede interpretarse como una metáfora de las actividades triviales y sin sentido que llenan nuestro tiempo. El protagonista busca consuelo y autenticidad en este lugar especial, representado por ‘Aja’. La repetición de esta línea refuerza la idea de que este refugio es un lugar de salvación y renovación personal.
La canción también menciona una ‘doble hélice en el cielo’, una imagen que puede interpretarse como una referencia a la estructura del ADN, simbolizando la vida y la conexión humana. La línea ‘throw out the hardware, let’s do it right’ sugiere un rechazo a la tecnología y a las soluciones rápidas, abogando por un enfoque más natural y auténtico. En conjunto, ‘Aja’ es una meditación sobre la búsqueda de paz interior y la necesidad de encontrar un lugar donde uno pueda ser verdaderamente libre y auténtico.
Deacon Blues
La canción ‘Deacon Blues’ de Steely Dan es una oda a los soñadores y a aquellos que se sienten fuera de lugar en la sociedad convencional. La letra narra la historia de un hombre que decide abandonar las expectativas sociales y seguir su propio camino, aunque este esté lleno de incertidumbre y fracaso. La frase ‘This is the day of the expanding man’ sugiere un momento de transformación personal, donde el protagonista se aleja de su antigua vida y se embarca en una nueva aventura, aunque sea vista como una locura por los demás.
El estribillo de la canción, ‘I’ll learn to work the saxophone, I’ll play just what I feel, Drink scotch whisky, all night long, And die behind the wheel’, encapsula el deseo del protagonista de vivir una vida auténtica, aunque autodestructiva. El saxofón, un instrumento asociado con el jazz y la improvisación, simboliza la libertad y la expresión personal. Beber whisky y ‘morir detrás del volante’ representan una vida vivida al límite, sin preocuparse por las consecuencias. La referencia a ‘Deacon Blues’ y ‘Crimson Tide’ contrasta el éxito convencional con el fracaso romántico, donde el protagonista prefiere ser recordado por sus fracasos que por conformarse con una vida ordinaria.
La canción también explora temas de alienación y búsqueda de identidad. El protagonista se describe como ‘a victim of laughing chance’ y ‘crawling like a viper through the suburban streets’, lo que sugiere una sensación de desarraigo y desesperación. Sin embargo, encuentra consuelo en compartir sus experiencias con ‘those of my kind’, personas que también buscan algo más allá de lo superficial. La canción concluye con una nota de liberación, ‘This brother is free, I’ll be what I want to be’, reafirmando el deseo del protagonista de vivir según sus propios términos, sin importar las expectativas sociales.
Peg
La canción ‘Peg’ de Steely Dan es una oda a una mujer que ha alcanzado el estrellato. Desde el inicio, la letra nos presenta la imagen de Peg, cuya fotografía y nombre en luces simbolizan su éxito y reconocimiento. La frase ‘This is your big debut’ sugiere que Peg está en el umbral de una nueva etapa en su vida, una que ha soñado y finalmente está viviendo. La invitación a ‘smile for the cam’ra’ refleja la presión y la expectativa de mantener una imagen pública perfecta, algo que es común en el mundo del espectáculo.
El estribillo ‘Peg, it will come back to you’ puede interpretarse como una reflexión sobre la naturaleza cíclica de la fama. Lo que Peg está experimentando ahora, eventualmente, volverá a ella, quizás en forma de recuerdos o repercusiones de sus acciones. La mención de ‘You see it all in 3D, it’s your favourite foreign movie’ añade una capa de surrealismo, como si la vida de Peg fuera una película que ella misma está viendo desde una perspectiva externa. Esto puede aludir a la desconexión que a veces sienten las personas famosas entre su vida pública y su vida privada.
La repetición de ‘I like your pin shot, I keep it with your letter’ sugiere una relación personal y nostálgica entre el narrador y Peg. La ‘pin shot’ y la ‘letter’ son recuerdos tangibles de una conexión más profunda, posiblemente antes de que Peg alcanzara la fama. El color ‘blue print blue’ puede simbolizar la tristeza o la melancolía, contrastando con la imagen brillante y exitosa de Peg. En conjunto, la canción explora temas de fama, nostalgia y la dualidad entre la imagen pública y la realidad personal.
Home At Last
La canción ‘Home At Last’ de Steely Dan es una obra rica en metáforas y referencias culturales que explora el tema del viaje y la búsqueda de un lugar de pertenencia. La letra comienza con una referencia a una ‘super carretera’ y un ‘brillante sol familiar’, lo que sugiere un viaje físico y emocional. La mención de una ‘canción de mar cansada’ y una ‘orilla pacífica’ evoca imágenes de un viaje marítimo, posiblemente una alusión a la Odisea de Homero, donde Ulises finalmente encuentra su hogar después de un largo y arduo viaje. La repetición de la frase ‘Could it be that I have found my home at last?’ refleja una mezcla de esperanza y duda, encapsulando la incertidumbre de si realmente ha encontrado su lugar en el mundo.
La línea ‘Still I remain tied to the mast’ es una referencia directa a la Odisea, donde Ulises se ata al mástil de su barco para resistir el canto de las sirenas. En este contexto, podría simbolizar la lucha interna del narrador para resistir las tentaciones y distracciones que lo alejan de su verdadero hogar o propósito. La mención de ‘Retsina’, un vino griego, y la sensación de seguridad y calidez que proporciona, añade una capa de confort y familiaridad, pero también sugiere que esta paz es temporal, ‘la calma antes de la tormenta’.
El estribillo repetido enfatiza la idea de que, aunque el peligro parece haber pasado, el narrador sigue sintiéndose atado y no completamente libre. Esto podría interpretarse como una reflexión sobre la naturaleza humana de buscar constantemente un sentido de pertenencia y seguridad, incluso cuando las circunstancias externas parecen favorables. La canción, con su mezcla de jazz y rock, es un ejemplo perfecto del estilo sofisticado y líricamente complejo de Steely Dan, que a menudo aborda temas filosóficos y existenciales a través de narrativas ricas y evocadoras.
I Got The News
La canción utiliza personajes cínicos, referencias vagas y un toque irónico para que los oyentes interpreten los detalles más oscuros del romance sobre un encuentro sexual intenso y clandestino con una mujer de la alta sociedad. La letra mezcla fascinación y desdén hacia su estilo de vida superficial, mientras insinúa que el protagonista descubrió el «secreto» o «la noticia» de esta relación. «la noticia» o «el secreto» guarda un doble sentido; puedría referirse al descubrimiento de una enfermedad de transmisión sexual, fotografías comprometedoras, o simplemente al intenso amorío secreto que mantienen.
«Duquesa de Broadway»: Es el apodo para una mujer carismática, privilegiada y de clase alta de Nueva York, proveniente de una familia rica y acostumbrada a los excesos.
El estribillo refleja la intensidad del encuentro físico y el contraste entre las pretensiones sociales de la mujer y su intimidad real, dejando claro que ella tiene el poder en la relación
Josie
La canción ‘Josie’ de Steely Dan es una oda a una figura femenina que representa la libertad, la rebeldía y la vitalidad. La letra describe la anticipación y la emoción que genera el regreso de Josie al vecindario. Desde el primer verso, se establece un tono festivo y de celebración: ‘We’re gonna break out the hats and hooters / When Josie comes home’. La llegada de Josie es un evento que transforma la rutina diaria en una fiesta desenfrenada, donde las normas y las reglas se rompen en favor de la diversión el compañerismo y la solidaridad.
Josie es descrita como ‘the pride of the neighborhood’, una figura central que irradia energía y carisma. La metáfora de ‘She’s the raw flame, the live wire’ sugiere que Josie es una fuerza de la naturaleza, alguien que no puede ser contenida y que trae consigo una chispa de vida y emoción. La referencia a que ‘She prays like a Roman / With her eyes on fire’ añade una capa de misticismo y fervor, sugiriendo que Josie tiene una intensidad casi religiosa en su forma de vivir y de interactuar con el mundo.
La canción también toca temas de compañerismo, solidaridad y comunidad. Josie es ‘the best friend we never had’, una figura que une a todos a su alrededor y que hace que la vida sea más vibrante y emocionante. La letra sugiere que su regreso es una oportunidad para romper con la monotonía y vivir al máximo, aunque sea solo por una noche. La imagen de ‘Dance on the bones / Till the girls say when’ evoca una celebración casi ritualística, donde se desafían las convenciones y se vive en el momento. En resumen, ‘Josie’ es una celebración de la libertad, la rebeldía y la vitalidad que una persona puede traer a la vida de los demás.
La Portada
Se nota mucho la diferencia de audio! Brutal!
Yo soy un «p…» neófito en la materia, tengo orejas y un aparato que suena y no tengo ni idea de cual se supone que se tiene que oír mejor o peor pero
la primera que no tiene color marrón en la carátula SE OYE MUCHO PEOR que la que tiene color marrón y pone UHQR EN EL MARRÓN.
«Hala!! vaya por el marrón